Das Hudson County Community College stellt Werke von 18 Künstlern aus der Kunstsammlung der Hochschule aus

Die in der Ausstellung vertretenen Künstler sind John Chamberlain, Darryl Curran, Edward S. Curtis, Robert Fichter, Suda House, Eti Jacobi, Mickey Mathis, Heidi McFall, Judy Mensch, Tracey Moffatt, Nancy Scheinman, Bonnie Schiffman, Jacqueline Spellens, Ann Sperry, Robert Von Sternberg, Melanie Walker, Todd Walker und Nancy Webber. Kuratorin der Ausstellung ist Michelle Vitale, Direktorin für kulturelle Angelegenheiten.

John Chamberlain

John Chamberlain wurde 1927 in Rochester, Indiana, geboren und starb 2011 in New York. Zu Lebzeiten war John Chamberlain vielleicht am bekanntesten für seine markanten Metallskulpturen, die er ab den späten 1950er Jahren aus weggeworfenen Karosserieteilen und anderen Industrieabfällen herstellte. Seine einzigartige Methode, diese Elemente zusammenzusetzen, führte dazu, dass er 1961 in die paradigmatische Ausstellung The Art of Assemblage im Museum of Modern Art aufgenommen wurde. Chamberlains Fokus auf entdeckte oder spontane Zusammenhänge zwischen Materialien hat dazu geführt, dass seine Arbeit als eine Art dreidimensionaler abstrakter Expressionismus interpretiert wird.

Darryl Curran

Darryl Curran ist seit 1965 als Aussteller, Kurator, Juror und Vorstandsmitglied mehrerer Kunstorganisationen im Bereich der Kunstfotografie tätig. Currans kreative Arbeiten sind in bedeutenden öffentlichen Sammlungen zu finden und wurden in zahlreichen wichtigen Gruppenausstellungen gezeigt, darunter Photography into Sculpture und Mirrors and Windows, Museum of Modern Art; Photography into Art, British Arts Council; Extending the Perimeters of Twentieth Century Photography, San Francisco Museum of Modern Art; Photography and Art/Interactions since 1946, Los Angeles County Museum of Art und Fort Lauderdale Museum of Art, um nur einige zu nennen. Als Präsident des Los Angeles Center for Photographic Studies (LACPS) leitete er die Bemühungen zur Produktion von 10 Photographers/Olympic Images, einem Projekt, das vom Olympic Arts Festival gesponsert und im Museum of Contemporary Art ausgestellt wurde.

Edward S. Curtis

Edward Sheriff Curtis (16. Februar 1868 – 19. Oktober 1952) wurde in der Nähe von Whitewater, Wisconsin, geboren und wurde einer der besten Fotografen und Ethnologen Amerikas. Seine Begabung für die Fotografie führte ihn zu einer Untersuchung der amerikanischen Ureinwohner, die an der Küste von Seattle lebten. Sein Porträt von Häuptling Seattles Tochter, Prinzessin Angeline, brachte Curtis die höchste Auszeichnung in einem Fotowettbewerb ein. Curtis war für seine Arbeit mit den Indianern bekannt geworden und nahm 1899 als einer von zwei offiziellen Fotografen an der Harriman-Expedition nach Alaska teil. Von 1911 bis 1914 produzierte und inszenierte Curtis auch einen Stummfilm, der auf der Mythologie der Rawakiutl-Indianer des pazifischen Nordwestens basierte. Curtis starb 4. Mehrere Bilder von Curtis sind in der Foundation Art Collection des College im 71. Stock des Gabert Library Building in der XNUMX Sip Ave. dauerhaft ausgestellt.

Robert Fichter

Robert Fichter wuchs in Sarasota, Florida, auf und war fasziniert von der Landschaft mit den skulpturalen Ruinen, die auf Long Boat Key von John Ringlings Versuch aus der Zeit vor der Depression übrig geblieben waren, die italienische Renaissance nachzubilden. Fichter hat Radierungen, Lithografien und Fotografien am Visual Arts Research Institute der Arizona State University und Lithografien am Tamarind Institute angefertigt. Er hat auch zwei Bücher mit computergenerierten Bildern produziert: After Eden, veröffentlicht von den USF Art Galleries; und AX Cavation (Text von James Hugunin), veröffentlicht von der University of Colorado, Abteilung für bildende Künste.

Suda-Haus

Aktuelle fotografische Arbeiten auf Seide aus der Sanctuary-Serie von Suda House wurden von Gastkuratorin Kathryn Kanjo, der Chefkuratorin des Museum of Contemporary Art San Diego, für die Ausstellung „Renewed: A Short Story About the San Diego Public Library’s Visual Arts Program“ ausgewählt. Diese Ausstellung feierte die Eröffnung der neuen Zentralbibliothek mit einer Auswahl von Künstlern, die zuvor im Visual Arts Program der San Diego Public Library ausgestellt haben und deren Praktiken weiterhin Anklang finden.

Eti Jacobi

Eti Jacobi ist eine israelische bildende Künstlerin, die 1961 geboren wurde. Ihre frühen Gemälde zeugen von einer ungewöhnlichen Sensibilität. Unschuld, Reinheit und Kindlichkeit sind in ihren Werken neben Erotik und Ethik präsent und werden auf eine ganz andere Weise dargestellt als frühere Manifestationen ähnlicher Themen. Jacobi kombiniert die Märchenmentalität mit der Virtuosität der Umsetzung, sodass der Geist der Animation die Gemälde durchdringt. Sie versucht, einen märchenhaften Akt freizusetzen, der durch kleine hinterhältige malerische Tricks erzeugt wird, oder in den Worten der Künstlerin: „Meine Malerei ist der höchste Grad an stotternden Märchen.“ Jacobi hatte mehrere Galerie- und Museumsausstellungen, darunter im Zentrum für zeitgenössische Kunst in Tel Aviv und im ART+TEXT in Budapest. Sie wurde mit dem Jacques- und Eugénie-O'Hana-Preis für junge israelische Künstler und den Künstlerpreisen des Ministers für Bildung, Kultur und Sport für junge Künstler ausgezeichnet.

Mickey Mathis

Mickey Mathis lebt seit langem in Jersey City und ist freiberuflicher Fotograf, der am International Center for Photography in New York City studiert hat. Seine Fotos hängen in Restaurants, sind in Zeitschriften und Anzeigen sowohl lokal als auch international zu sehen. Mickey Mathis: World Trade Views war 2016 eine Einzelausstellung in der Benjamin J. Dineen, III & Dennis C. Hull Gallery. Das ausgestellte Werk war eine Zeitleiste des World Trade Centers, die Mathis im Laufe von 20 Jahren vom Westufer des Hudson River aus aufgenommen hatte.

Heidi Draley McFall

Heidi Draley McFall wurde 1974 in Iowa City geboren und macht seit ihrer Kindheit Kunst. McFall ist eine autodidaktische Künstlerin, deren Zeichnungen Gegenstand von Einzel- und Gruppenausstellungen in Galerien und Museen waren, darunter Annina Nosei Gallery, New York; Leo Castelli Gallery, New York; Paolo Curti Gallery, Mailand, Italien; The McNay Art Museum, San Antonio; The Museum of Contemporary Art Denver; und The Boulder Museum of Contemporary Art. McFall kreiert monumentale Pastellporträts, die eindringlich und liebenswert, persönlich und verblüffend sind. Durch verstärkte Kontraste in Schwarz und Weiß lädt sie uns ein, die Seelen und Persönlichkeiten derer zu erforschen, die sie darstellt. Ihre Motive zeichnen sich durch eine Offenheit und Unbeständigkeit aus, die eine Nähe und ein Gefühl gemeinsamer Menschlichkeit zwischen der Künstlerin, ihren Betrachtern und ihren Motiven schafft.

Judy Mensch

Judy Mensch hat ihre Drucke in den gesamten Vereinigten Staaten und im Ausland ausgestellt. Sie befinden sich in öffentlichen und privaten Sammlungen, unter anderem in der New York Public Library, der New York Historical Society, der Library of Congress und bei Pfizer Inc. Sie erhielt Residenzen bei Yaddo, Ucross, Centrum voor Grafiek, Frans Masereel Centrum und ein Stipendium zum Studium des japanischen Holzschnitts von Art Quest, dem Nagasawa Art Park Pilot Project in Awajishima, Japan.

Tracey Moffatt

Tracey Moffatt ist eine australische Künstlerin, Filmemacherin und Fotografin, die über 100 Einzelausstellungen ihrer Arbeiten in Europa, den Vereinigten Staaten und Australien veranstaltet hat. Jede Serie basiert auf einer ungeschriebenen Erzählung – eine Geschichte wird angedeutet, aber nie ausgesprochen. Ein Teil des Projekts der Künstlerin besteht darin, die Konventionen des Geschichtenerzählens zu demontieren, indem sie paradoxerweise nur Kunstfertigkeit verwendet, um ihre Geschichten zu erzählen. Moffatts Themen basieren auf wahren Geschichten, die der Künstlerin erzählt werden und die tiefsitzende, unerbittliche Probleme berühren, Wunden, die nie heilen. Tatsächlich steht ihre erklärte Ambivalenz gegenüber der Kategorisierung als indigene Künstlerin im Widerspruch zu ihrem Engagement für die Förderung der Kultur der Aborigines und dem zentralen Platz, den die Indigenität in ihrer Arbeit einnimmt. Dieser scheinbare Widerspruch – eine offensichtliche moralische Inkonsistenz – löst sich in ihrer Hingabe an die Begleiterscheinungen des Erfolgs auf: So sehr es in Moffatts Arbeit um Schmerz geht, geht es auch um Glamour.

Nancy Scheinman

Nancy Scheinman verbindet Schönheit, Meditation und persönliche Erfahrung und schafft zum Nachdenken anregende Gemälde. Die Schichtung ist für ihre Arbeit von grundlegender Bedeutung, mit Mustern – gedruckt, gemalt und eingraviert. Beim Schichtungsprozess erinnert Scheinmans Verwendung von Säurewaschungen und Fotoemulsion auf Kupferplatten an einen alchemistischen Ansatz und erzeugt Formen und Texturen, aus denen Erzählungen entstehen. Kupfer, Leinwand, bronzenes Drahtgewebe und geätztes klares Vinyl werden auf eine Holzstruktur genagelt und bemalt. Ihre komplexen Collagen aus gemischten Medien finden eine Verbindung zwischen Vergangenheit und Zukunft. Ihre obsessive Verschönerung verleiht ihnen eine hinreißende Kraft und lebendige Energie.

Bonnie Schiffman

In den letzten drei Jahrzehnten hat Bonnie Schiffman Hunderte von Prominenten fotografiert, von George Burns bis Jerry Seinfeld, von Julia Child bis Joni Mitchell, von Muhammad Ali bis Warren Buffet, die alle in den meisten amerikanischen und internationalen Magazinen erschienen sind. Die Energie und Spontaneität, die Schiffman in ihre Arbeit einbringt, ist es, die ihre einzigartigen Bilder entstehen lässt. Wir erhalten eine neue und ehrliche Perspektive auf ihre Motive. Lauri Kratchovil, ehemalige Fotodirektorin des Rolling Stone und des InStyle-Magazins, drückte es am besten aus: „Bonnie stellt sich nicht selbst ins Bild. Sie lässt die Leute machen, was sie machen, sodass man nicht die Berühmtheit, sondern die Person bekommt.“ Schiffman hat eine Sammlung von Porträts archiviert, deren Bedeutung nicht nur darin liegt, dass sie ihren unverkennbaren fotografischen Stil einfängt, sondern auch in ihrem Beitrag zur Chronik der amerikanischen Kulturgeschichte.

Jacqueline Spellens

Jackie Spellens belegte 1979 einen Grundkurs in Bildhauerei. 1992 eröffneten Spellens und Miteigentümerin Bernice Schachter Sculpture Spaces in Fountain Valley, Kalifornien, als einen Ort, an dem sie ihre eigene Arbeit verrichten und auch anderen Künstlern eine unterstützende Umgebung bieten konnten. Anhand von Modellen oder Fotos, die aus verschiedenen Winkeln aufgenommen wurden, schuf Spellens ihre Stücke aus Platten aus kaltem Marmor oder natürlichem Gestein. Manchmal gab der Stein selbst eine Form vor, je nachdem, wie die Adern im Marmor erschienen. Auch das Thema beeinflusste den Stein, den sie auswählte. In den frühen 1990er Jahren schuf Spellens eine Reihe von Terrakotta-Skulpturen von Kenianern, deren Kultur ihr bekanntestes Werk inspirierte.

Ann Sperry

Ann Sperry wurde in der Bronx geboren und machte ihren Abschluss an der High School of Art and Music und am Sarah Lawrence College, wo sie bei dem modernistischen Bildhauer Theodore Roszak studierte. Sperry ließ sich auch vom Künstler David Smith inspirieren und verwendete geschweißten Stahl, oft mit Farbauftrag, um die Ausdrucksmöglichkeiten dieses normalerweise unflexiblen Mediums zu erkunden. Sperry begann in den 1960er Jahren mit der Bildhauerei. Ihre Stahlskulpturen sind in den Sammlungen des Storm King Arts Center in Orange County, NY, des Skirball Museums in Los Angeles, CA und Cincinnati, OH, sowie des Rose Art Museum der Brandeis University in Waltham, MA, enthalten. Sie schuf Kunst über ihre Erfahrungen als Frau, Jüdin und Mensch, der von der Unermesslichkeit des Kosmos beeindruckt ist. Sperry war auch dafür bekannt, dass sie in ihrer Kunst soziale Probleme und deren Auswirkungen mit einem aktivistischen Ansatz untersuchte. Sperry starb 2009.

Robert von Sternberg

Von den ersten Versuchen, die Wüste zu bewässern, über die Bevölkerungsexplosion nach dem Krieg bis hin zur heutigen Zersiedelung der Vororte und den Bemühungen um Naturschutz hat menschliches Handeln die Landschaft von Los Angeles geprägt. Es ist vielleicht passend, dass Robert von Sternberg, der den Großteil seines Lebens in Los Angeles County gelebt und gearbeitet hat, das Eindringen des Menschen in die Natur als wiederkehrendes Thema im Mittelpunkt seiner fotografischen Arbeit bezeichnet. Das surreale künstliche Licht, das die amerikanische Nacht erhellt, liefert oft die endgültigen fotografischen Bilder, nach denen von Sternberg auf seinen Reisen sucht. Durch die Straßen, Zäune, Schilder, Gebäude und alle anderen materiellen Strukturen der Zivilisation prägt der Mensch das Land; selbst in unserer körperlichen Abwesenheit machen wir unsere Anwesenheit eindringlich deutlich. Von Sternberg ist geschäftsführender Direktor des Museumsprojekts und war maßgeblich daran beteiligt, Stücke aus der Sammlung an das Hudson County Community College zu bringen.

Melanie Walker

Melanie Walker ist seit über 50 Jahren als Künstlerin tätig. Ihr Fachgebiet sind alternative fotografische Verfahren, digitale und gemischte Medien sowie großformatige fotografische Installationen und seit kurzem auch öffentliche Kunst. Sie hat zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter ein NEA Visual Arts Fellowship, ein Colorado Council on the Arts Fellowship und einen Aaron Siskind Award. Sie lehrte an zahlreichen Universitäten, darunter der San Francisco State University, SUNY Albany, Alfred University und der University of Kentucky, Lexington. Sie hat bei öffentlichen Kunstwerken mit dem Künstler/Bildhauer George Peters zusammengearbeitet und gemeinsam haben sie zahlreiche öffentliche Kunstaufträge an zahlreichen nationalen und internationalen Standorten erhalten.

Todd Walker

Todd Walker (25. September 1917 – 13. September 1998) war im Wesentlichen ein autodidaktischer Künstler, dessen bevorzugtes Medium die Fotografie war. Er arbeitete 60 Jahre lang mit durch Licht geformten Bildern und erforschte Sabatier-Solarisation, Künstlerbücher, Siebdruck, Lithografie, Lichtdruck und Digitalfotografie. Alle diese Bilder verwendeten additive Farben, wobei die Ausgangsbilder zunächst Schwarzweiß-Negative waren. Nach seinem Militärdienst im Zweiten Weltkrieg als Fluglehrer beim Army Air Corps heiratete Walker und kehrte nach Los Angeles zurück, wo Shirley Burden sich mit ihm ein Studio in Beverly Hills teilte. In den 2er Jahren machte er sich einen Namen und wurde ein erfolgreicher freiberuflicher Fotograf, der mit Kunden wie Charles & Rae Eames, Frank Brothers, TV Guide und Campbell Ewald zusammenarbeitete und die typischen Chevy-Werbungen der späten 1950er Jahre machte. Seine Arbeiten befinden sich in vielen Sammlungen in den USA. Er stellte seine Arbeiten weiterhin hauptsächlich in Bildungseinrichtungen aus.

Nancy Webber

Ein Führer im Saint Louis Art Museum gab der fünfjährigen Webber eine Karte mit einem Detail aus einem Gemälde und forderte sie auf, das Werk in der Galerie zu finden. Webber erinnerte sich Jahre später an das Spiel, als sie als Kunststudentin, die Florenz besuchte, Ähnlichkeiten zwischen den Porträts in den Museen und den Gesichtern auf der Straße bemerkte. Die Verbindung von Kunst und Leben ist Webbers Thema, wenn sie künstlerische Reinkarnationen aus gewöhnlichen Menschen schafft, die auffallende Ähnlichkeiten mit berühmten Porträts aufweisen. Ihre Serie umfasst über 200 Porträts und deckt alle Epochen und Stile der Kunstgeschichte ab. Mit einer beiläufigen Liebe zum Detail konzentriert sich Webber auf ihre Motive und deren Gesichtszüge und greift nur minimal in die Rekonstruktion der Szene ein. Indem sie buchstäblich Analogien zwischen Motiven wie Frida Kahlo und einer zeitgenössischen jungen Frau zieht, erinnert Webber den Betrachter daran, dass die Meisterwerke, die wir heute als Kunstobjekte betrachten, als Porträts echter Menschen begannen. 2003 erhielt Webber den Auftrag, öffentliche Kunst für das Los Angeles Animal Care Center in San Pedro, Kalifornien, zu schaffen. Das Konzept für das Projekt lautete: „Das Leben imitiert die Kunst.“

The Museum Project wurde 2012 als Zusammenschluss angesehener amerikanischer Künstler gegründet, die ihre Wertschätzung für die offensichtlichen direkten und indirekten Karrierevorteile zum Ausdruck bringen wollten, die sie als Universitätsprofessoren und/oder Galeriekünstler aus den öffentlichen Institutionen ziehen, die die Fotografie als bildende Kunst unterstützen und fördern. Bis heute hat The Museum Project 3,925 Fotografien an die ständigen Sammlungen von 143 Museen oder Universitätsmuseen, 10 Bibliotheken mit besonderen Kunstsammlungen und neun städtischen oder Krankenhausstiftungssammlungen in 49 Staaten, Washington, DC, Australien, Kanada, Frankreich und Großbritannien gespendet. Das Projekt, das sich jetzt in seiner fünften und letzten Phase befindet, verfügt über einen Bestand von über 300 Einzelbildern, die von den derzeit 13 teilnehmenden Künstlern erstellt wurden.

Die HCCC Foundation ist eine gemeinnützige 501(c)(3)-Corporation, die ihren Spendern Steuerbefreiung gewährt. Seit ihrer Gründung im Jahr 1997 hat die Foundation verdienten Studenten Stipendien im Gesamtwert von über 2,650,000 US-Dollar gewährt.

Die HCCC Foundation Art Collection, deren Wert auf über 1 Million US-Dollar geschätzt wird, repräsentiert die reiche Kunst- und Kulturgeschichte Amerikas und New Jerseys, von der Zeit der Hudson River School bis zur Gegenwart. Sie umfasst mehr als 1,000 Gemälde, Lithografien, Fotografien, Skulpturen, amerikanische Keramik und mehr von bedeutenden Künstlern wie Man Ray, Ben Shahn, Joan Snyder und Marcel Duchamp. Eine wachsende Sammlung aufstrebender und etablierter Künstler aus New Jersey ist ebenfalls enthalten. Zu den Themen gehören Vielfalt, Stadtleben, Wissenschaft, Technologie, Geschichte und Kultur der Vereinigten Staaten sowie Architektur. Die Sammlung wurde 2006 zeitgleich mit der Einführung des Kunstprogramms des College gegründet. Die Foundation Art Collection wird in den Gebäuden Journal Square und North Hudson Campus des College ausgestellt. Wir danken den vielen großzügigen Spendern der HCCC Foundation Art Collection, die diese Ausstellung ermöglicht haben.

Die Sommeröffnungszeiten der Benjamin J. Dineen, III und Dennis C. Hull Gallery sind Montag bis Donnerstag von 12 bis 4 Uhr. Die Galerie ist Freitag bis Sonntag sowie an Feiertagen geschlossen. Informationen zu bevorstehenden Veranstaltungen in der Galerie erhalten Sie unter https://www.hccc.edu/community/arts/index.html, E-Mail GalerieFREEHUDSONCOUNTYCOMMUNITYCOLLEGE, oder telefonisch unter (201) 360-5379.